CONTEXTO HISTÓRICO DE LA PUESTA EN ESCENA
Abordaremos algunos elementos históricos que nos permitan entender cómo se ha venido desarrollando el concepto de puesta en escena, haciendo énfasis en el espacio escénico y la iluminación.
Aquí podremos entender aspectos tales como: ¿Cuándo en la historia del teatro se puede empezar a hablar del diseño escénico (espacio e iluminación)? Quiénes son los principales creadores en esos comienzos y cuáles fueron sus aportes. Por qué podemos considerar que es indispensable en el hecho teatral la iluminación y el tratamiento del espacio.
Durante la historia del teatro la iluminación ha sido una gran protagonista en muchos asuntos históricos. Desde el primer momento en que el ser humano logró manipular el fuego y le permitió movilizarse en las noches oscuras a partir de la creación de antorchas que develaban lo invisible. De esta forma las antorchas se convirtieron en un elemento importante para el ser humano, no sólo porque le permitía tener el fuego a su disposición, sino porque permitió el nacimiento del teatro y los juegos de representación de los rituales ancestrales alrededor del fuego.
Por esta razón es que los griegos se piensan desde el espacio físico que les permita tener una iluminación natural, disponiendo la construcción de sus edificaciones teatrales frente al sol, lo cual permitía al espectador tener una mejor visual de las escenas. Detengamos en la cultura Griega y sus desarrollos.
LOS COMIENZOS DEL TEATRO OCCIDENTAL Y LOS PROBLEMAS DEL ESPACIO
Es claro que cuando nos referimos a los comienzos del teatro occidental tenemos que remontarnos a la antigua Grecia que convirtió el ritual báquico (dionisiaco) en lo que conocemos como teatro. Es decir un espectáculo que vincula varios elementos determinantes: El texto previo (trágico o cómico) que parte de una gran tradición oral (mitos, leyendas, teogonías, etc. ), un espacio específico de representación del cual partimos para entender la teatralidad concreta. Un grupo de ejecutantes que desarrollan funciones (coro y personajes). Una comunidad de espectadores. Y una serie de elementos que apoyan el espectáculo trágico: música, escenografía, vestuario, máscaras, deus ex machina, etc).
A partir de toda esa tradición oral, el pueblo griego fue consolidando un gran acervo teatral con autores como: Esquilo, Sófocles y Eurípides (con respecto a la tragedia) y con respecto a la comedia es importante mencionar a Aristófanes y Menandro. Que indagaban con sus obras aspectos definitivos como la relación con los dioses, los problemas sociales y políticos de la época. Sin embargo nuestro objetivo es señalar los aspectos relacionados con el espacio escénico y por ello tendremos que detenernos en presentar cómo era una construcción específica para las artes escénicas griegas.
EL TEATRO GRIEGO
Las estructuras teatrales para el teatro griego fueron creadas, de alguna manera, en relación con la iluminación ya que su construcción se realiza en dirección al norte, de manera que el sol no estuviera de frente al espectador. Al contrario estuviera en relación directa con el escenario aprovechando la luz solar para generar la iluminación de las representaciones.
EL TEATRO DE LA EDAD MEDIA : PRIMERA CRISIS DEL ESCENARIO
ALGUNAS CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO MEDIEVAL
Como sabemos en la Edad Media Europa enfrenta un fenómeno de violencias muy complejo porque contrapone cuatro grandes legados históricos enemigos: el legado greco-latino, el legado germánico, el legado árabe y el legado judeo cristiano.
La confrontación entre ellos fue generando formas de relación social y política que buscaba el aislamiento social, económico y político. A tales formas se les ha denominado feudalismo. Es decir que las relaciones estaban muy determinadas por el control de la tierra que proveía de alimento a las comunidades humanas y que obligaba al encierro.
Entender el espacio escénico en la Edad Media es ver la movilidad que empieza a tener, ya que no se cuenta con un espacio físico definido como se mencionaba en los teatros griegos. Las obras empiezan a ser representadas en plazas, en las cuales se instalaban carretas que funcionaban como escenario, sin mayor preocupación por un lenguaje técnico a nivel de iluminación. Dichas representaciones se realizaban, en su mayoría, en espacios abiertos (al aire libre), los cuales tenían una afluencia de personas constante y que era importante porque el teatro tenía un carácter didáctico para evangelizar.
LA MODERNIDAD EN EL TEATRO Y LA RECUPERACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO
EL SIGLO DE ORO EN ESPAÑA Y EL CORRAL DE COMEDIAS
Efectivamente el primer momento que podríamos denominar de tránsito hacia los teatros de la modernidad es el siglo de oro, es decir, el periodo en el cual el teatro español a través de figuras como Lope de Vega, Tirso de Molina, Calderón de la Barca, y muchos otros, ponen en escena problemas complejos de la nueva condición humana: la redondez de la tierra, la reforma y la contrarreforma,la predestinación, el libre albedrío, etc. Y para hacerlo, construyen de nuevo un edificio teatral que permita el encuentro escénico. El corral de Comedias, que nos lleva de nuevo a instalar la puesta en escena en un lugar fijo. En el siglo de oro los lugares de la presentación se mueven de la iglesia y se establecen en los patios de grandes casas que se van adecuando y estableciendo como espacios de representación de las obras y para recibir al público.
EL ESCENARIO ISABELINO
A diferencia de España, Inglaterra entra de una manera decidida a la modernidad mediante la ruptura de Enrique VIII con el cristianismo. Tal ruptura significó la construcción de un proyecto de nación que creó unas bases sólidas para que se generara lo que ha sido denominado por los historiadores: teatro isabelino, es decir; el teatro durante el periodo de gobierno de la reina Isabel y que hizo brillar a personalidades como Marlowe, Shakespeare, Thomas Kyd.
Será Shakespeare el dramaturgo que logra instaurar un nuevo sentido de lo humano, como señala tan puntualmente Harold Bloom en su libro Shakespeare o la invención de lo humano. En efecto, en cada una de sus obras nos expone la naturaleza humana de manera descarnada y violenta: la ambición, los celos, el amor, el poder, el vicio, la rabia, la venganza, la maldad, la humildad, el deseo, la fantasía, etc. todos los elementos de la humanidad puestos en escena sin la necesidad de intervención de los dioses.
EL ESCENARIO A LA ITALIANA
Del mismo modo que en Inglaterra y España, el movimiento teatral de la modernidad italiana tuvo una riqueza infinita: el nacimiento de la ópera, la comedia del arte, la comedia italiana y el melodrama. Formas teatrales que requerían espacios precisos y que permitió el nacimiento del espacio frontal, neutro y con perspectiva que hoy conocemos como escenario a la italiana.
Con la idea de revivir la tragedia antigua, los artistas florentinos abordaron espectáculos en los cuales integraban tanto la poesía como la música, el canto, la pintura, el movimiento, etc. Sin embargo los temas ya no se basaban en los dioses griegos sino en las pasiones humanas, así dieron origen a la ópera, una especie de drama cantado de gran formato que exigía también un edificio preciso, cerrado y con un telón de boca que permitiera cambiar los decorados.
EL CLASICISMO FRANCÉS
El teatro del clasicismo parte sobre todo de una necesidad específica de la corte de Luis XIV: construir identidad nacional y de clase a partir de la idea de buen gusto, por eso buena parte de las manifestaciones teatrales estaban destinadas a salones y jardines cortesanos en los palacios. En ese sentido, también podemos hablar de un espacio escénico cerrado (la mayor parte de las veces) con máscaras, vestidos y música admirable. La importancia del italiano Jean Baptiste Lully es determinante para la escena francesa de la época ya que llevó a la corte francesa algunos aspectos de la teatralidad italiana, de la ópera y del teatro pensado para la frontalidad.
La iluminación con velas no solamente era la más conveniente, sino que además, aprovechando la versificación precisa de las obras según la exigencia del canon, estaba calculado para que la duración de los candiles coincidiera con la duración de cada acto, de tal manera que en los intermedios se pudieran colocar las nuevas y la escena no quedara a oscuras.
EL SIGLO XIX.
EL NACIMIENTO DE LA DIRECCIÓN ESCÉNICA: NATURALISMO Y REALISMO
El realismo y el naturalismo serán las corrientes escénicas que se introducen en el seno de la habitación para tratar de investigar en dónde quedó la esperanza de humanidad y justicia. En este teatro se necesita un espacio íntimoEl siglo XIX es una enorme crisis social, política y económica que transformó el destino de la cultura occidental para siempre. y esa crisis también significó unos cambios profundos en el arte en general y en el teatro en particular.
La estructura del texto se modificó abandonando el criterio de Aristóteles (unidad de tiempo, espacio y acción: inicio, nudo y desenlace) además las necesidades temáticas hacían poner en escena problemas de las nuevas clases sociales: la burguesía y los obreros. El teatro abandonó los grandes palacios y los héroes para meterse en las casas burguesas. La idea de héroe que tiene que luchar contra el destino se ha transformado en el drama que enfrentan hombres y mujeres por la sobrevivencia o por la construcción de su identidad.